Um Ano Novo cheio de realizações,sucesso,harmonia,paz,saúde,felicidade e amor a todos...FELIZ 2011, que cada dia do Ano que vem seja melhor...

Progressão harmônica - Harmonic progression

Há uma diferença entre um acorde maior e um menor. Os músicos e estudantes de música, quando tentam expressar em palavras tal diferença, costumam dizer que o som dos acordes maiores são mais alegres, enquanto os acordes menores são mais tristes. Dessa forma, músicas com motivos tristes, tendem a ser construidas em acordes menores e vice-versa. Este tipo de sentimento que é normalmente gerado por diferentes acordes é também utilizado na construção de padrões seqüênciais denominados progressões. Pegue-se uma seqüência de acordes qualquer de uma música, como por exemplo o padrão I, IV, V (C F G C). Isto é uma progressão de acordes. Se essa seqüência for tocada várias consecutivas experimentando diferentes ritmos e batidas será possível observar que todos os acordes se encaixam perfeitamente. Há um apelo entre os acordes, um acorde criando uma tensão maior ou menor. Este "apelo" é comumente denominado de tensão, ou seja, certos acordes conduzem à uma tensão crescente, acumulando tensão. Quando se volta ao C (Tônica) esta tensão é liberada. É possível perceber, ouvindo a algumas músicas essa tensão se acumulando em determinados trechos, até atingir um clímax (com certa freqüência a parte mais alta), para ser em seguida liberada. Esta progressão tomada como exemplo, que é uma das mais comuns nos dias atuais, é denominada de progressão I IV V, (aquela citada no exemplo acima) e tem justamente estas características de acúmulo de tensão e posterior liberação.

Ela é denominada I IV V porque é composta dos acordes de numero I, IV e V de uma escala musical, neste caso a de C. Veja abaixo:

C I D II E III F IV G V A VI B VII C VIII

Na escala de D, por exemplo, ela teria a seguinte formação: D G A D.

Uma outra progressão bastante comum é a I III IV. Que na escala de C resultaria em C E F. E na escala de E por exemplo E G# A. Experimente com esta progressão em diferentes escalas e com diferentes batidas.

A progressão de blues também é algo muito importante e deve ser estudada. Um grande número de canções baseia-se em progressões típicas e relativamente fáceis de serem aprendidas, através das quais é possível "tirar" músicas e "levar" outras sem conhecer sua composição. As progressões constituem-se apenas numa base que permite inúmeras variações, e não em regras fixas. Os grandes músicos são justamente aqueles que de certa forma desrespeitam estas progressões sem quebrar a harmonia do conjunto musical, ou seja, a tensão é acumulada e quebrada através de uma progressão não convencional de acordes utilizando-se da criatividade

There is a difference between a major chord and a minor. Musicians and music students as they try to express in words such a difference, often say that the sound of the major chords are more cheerful, while minor chords are sad. Thus, music sad reasons, tend to be built on minor chords and vice versa. This kind of feeling that is usually generated by different chords is also used in the construction of sequential patterns called progressions. Take a sequence of chords of any song, like the standard I, IV, V (CFGC). This is a chord progression. If this sequence is played several consecutive experimenting with different rhythms and beats you will notice that all the chords fit perfectly. There is a call between the chords, a chord creating a voltage higher or lower. This "appeal" is commonly called voltage, ie certain chords leading to a growing tension, building up tension. When it returns to C (Tonic) this tension is released. You can understand, listening to some music that strain is accumulating in certain areas, reaching a climax (with a certain frequency to the highest part), to then be released. This progression taken as an example, which is one of the most common nowadays, is called progression I IV V (the one quoted in the above example) and has precisely these characteristics of strain accumulation and subsequent release.

It is called the I IV V chord because it is composed of the number of I, IV and V of a musical scale, in this case C. See below:

D E C I II III IV F G A V B VI C VII VIII

On the scale of D, for example, it would have the following training: DGA D.

Another fairly common progression is I IV III. That the scale of C would result in C and F. And the scale of E eg E G # A. Experiment with this progression in different scales and with different beats.

The blues progression is also very important and should be studied. A large number of songs based on progressions typical and relatively easy to be learned, through which you can "take out" music and "lead" other without knowing their composition. The progressions are only on a basis that allows many variations, rather than fixed rules. Great musicians are precisely those that somehow do not respect these progressions without breaking the harmony of the musical ensemble, ie, the strain is accumulated and broken through an unconventional chord progression using creativity

Blues - pentatônica - pentatonic - blues

A escala do Blues, a 5 ª posição.

E ------------------------------------------ 5-8 -
B ----------------------------------- 5-8 ---------
G ------------------------- 5 - 7 - 8 ----------------
D ------------------ 5-7 --------------------------
A 5 -------- - 6-7 ---------------------------------
E - 5-8 ------------------------------------------ -

Você vai logo descobrir que eu coloquei as escalas blues em chaves, mas que estamos usando os mesmos padrões apenas em diferentes posições no braço da guitarra. Você realmente não precisa aprender um monte de teoria ou escalas para poder jogar razoavelmente bem. Se você se concentrar em aprender os padrões básicos vai notar que será capaz de jogar junto em espaço relativamente curto de tempo.

Licks de Blues lento:

Aqui estão quatro licks de blues simples que usam apenas as notas do Blues A escala acima. Tente tocar cada lick sobre toda a progressão. Observe que quando você joga as mesmas notas sobre os acordes diferentes os licks de soam muito diferente. Você pode trabalhar diferentes ritmos de jogo e variar as notas utilizadas para compor seus próprios licks de blues.

Isso é improviso. Ouvir os outros para obter percepções, ouvindo a música que você pode cantar em sua cabeça, emulando as ideias e os sons e brincando com eles para chegar a suas próprias composições. Isto é, construir o seu próprio som. Não é um processo difícil de atravessar, você só precisa gastar tempo com ele e ser paciente. Não tente apressar para chegar ao próximo nível. Jogar, jogar mais e jogar mais um pouco. Ficando bom vai acontecer com a prática. Se você precisa manter as mãos no pescoço ficando bom cuidará de si mesmo.



Blues Lick 1:

E -------------------------
B -------------------------
G -------------------------
D -------------------------
A 5 -------- - 6-5 ---------
E - 5-8 ------------ 8-5 -
Blues Lick 2:

E --------------------------
B --------------------------
G --------------------------
D ---------------------- 8 -
A 5 -------- - 6-5 ---------
E - 5-8 ------------ 8 -----

Blues Lick 3:

E -------------------------
B -------------------------
G ------------ 5 ------------
D ----- 5-7 ------ 7-5 - 7 -
A - 7 ----------------------
E --------------------------
Blues Lick 4:

E ----------------------- 5 - 8 - 5 ----------- 5 -
B ---------------- 5-8 ----- 8 ------------------
G ----- 5 - 7 - 8 --------------------------------
D - 7 -----------------------------------------
A --------------------------------------------
E ---------------------------------------------

You'll soon discover as I put up blues scales in more keys that we are using the same patterns just in different positions on the guitar neck. You really don't need to learn a lot of theory or scales to be able to play reasonably well. If you focus on learning the basic patterns you'll find you will be able to play along with a lot of music in a relatively short space of time.

Blues Licks for Slow Blues in A

Here are 4 simple blues licks that use only the notes from the A Blues Scale shown above. Try playing each lick over the entire progression. Notice that when you play the same notes over the different chords the licks sound very different. You can work out different rhythms to play for each lick and vary the notes used to make up your own blues licks.

That's what improvising is all about. Listening to others to get ideas, listening to the music you can sing in your head, emulating those ideas and sounds and then just playing around with them to come up with your own ideas. This is how you build your own sound. It's not a hard process to go through, you just need to spend time on it and be patient. Don't try and rush to get to the next level. Play, play more and play some more. Getting good will happen with practice. If you need to keep your hands on the neck getting good will take care of itself.

Notas naturais e acidentes - accidents and natural notes

NOTAS NATURAIS

As notas mais conhecidas popularmente, recebem o nome de notas naturais, são elas: DÓ, RÉ, MI, FA, SOL, LA, SI.

CIFRAS

Para representarmos as notas musicalmente, utilizamos uma representação a que chamamos de cifras. Assim são representadas:

A - LA
B - SI
C - DÓ
D - RÉ
E - MI
F - FA
G - SOL

É importante que se memorize estas cifras para uma compreensão rápida quanto às notas colocadas.


ACIDENTES

Assim são chamadas as variações de notas ou tons em acordes ou escalas.como vimos as notas naturais são assim chamadas por não possuírem acidentes.A seguir demonstraremos alguns dos acidentes mais utilizados.
SUSTENIDO ( # )

• sustenido é utilizado para representar uma mudança em meio tom acima ( explica-se depois do assunto acidentes )
Por exemplo: A# ( toca-se a nota ou acorde de La meio tom acima )

La ( 5a. casa da 6a. corda ), La# ( 6a. casa da 6a. corda ).

BEMOL ( b )

• Bemol significa o contrário de sustenido. Toca-se a nota ou acorde meio tom a baixo da original .
Por exemplo: Ab ( toca-se meio tom a baixo de la original ).

La ( 5a. casa da 6a. corda ), Lab ( 4a. casa da 6a. corda ).


TONALIDADE

As notas possuem diferença de sonoridade, essa diferença é marcada pela tonalidade, a seguir veremos a diferença entre as notas quanto à sua sonoridade.
( La ) ( Si ) ( Dó ) ( Ré ) ( Mi ) ( Fa ) ( Sol ) ( La)
A B C D E F G A
1 tom ½ tom 1 tom 1 tom ½ tom 1 tom 1 tom


OBS: As notas que acabam com i ( mi, si ) são as únicas que possuem meio tom para a próxima. Todas as outras possuem um tom para a próxima. Isso é de vital importância saber para o estudo da guitarra ou do violão.


Ab A A# Bb B B# Cb C C# Db D D# Eb E E# Fb F F# Gb G G#
½ tom ½ tom ½ tom ½ tom ½ tom ½ tom ½ tom ½ tom ½ tom ½ tom ½ tom ½ tom ½ tom ½ tom ½ tom ½ tom
[ 1 TOM ] [ ½ TOM ] [ 1 TOM ] [ 1 TOM ] [ ½ TOM ] [ 1 TOM ]


TOM: diferença de duas casas do instrumento.
SEMI-TOM: diferença de apenas uma casa de uma nota para outra no braço do instrumento.

As notas tocadas sucessivamente desta maneira formam a escala que chamamos
CROMÁTICA.( SÃO TOCADAS AS NOTAS EM SEQUÊNCIA: A A# B C C# D D# E F F# G G# ).

As notas que possuem dois nomes: A#, Bb são chamadas de notas enarmônicas.
As notas que possuem apenas um nome: A, B, C, D, E, F, G, são chamadas de notas harmônicas.


ESCALA CROMÁTICA

Escala que se utilizam as notas em seqüência: A A# B C C#...

------------------------------------------------------1-2-3-4--------
--------------------------------------------2-3-4-5------------------
----------------------------------2-3-4-5----------------------------
------------------------3-4-5-6--------------------------------------
--------------4-5-6-7------------------------------------------------
---5-6-7-8-----------------------------------------------------------

NA TABLATURA TOCAM-SE AS NOTAS QUE APARECEM DA ESQUERDA PARA A DIREITA EM SEQUÊNCIA.

AS CORDAS SÃO INDICADAS DE BAIXO PARA CIMA, ISTO É: 1A., 2A., 3A., 4A.,5A., 6A.

CORDAS NO BRAÇO DO INSTRUMENTO

1A. E ( MI )
2A. B ( SI ) } PRIMAS - CORDAS AGUDAS
3A. G ( SOL )

4A. D ( RÉ )
5A. A ( LA ) } BORDÕES - CORDAS GRAVES
6A. E ( MI )

É importante que se memorize as cordas no braço para compreensão de todos os assuntos.

NATURAL NOTES

The notes more popularly known, are named after natural notes, they are: C, D, MI, FA, SOL, LA, SI.

FIGURES

To represent the notes musically, we use a representation that we call numbers. Thus are represented:

A - LA
B - SI
C - DOH
D - RE
E - MI
F - FA
G - SOL

It is important to memorize these numbers for a quick understanding how to put notes.


ACCIDENTS

So are called variations of notes or chords or tones escalas.como saw the natural notes are so named because of lack acidentes.A below demonstrate some of the accidents most often used.
Pound (#)

• sharp is used to represent a change in semitone above (explained after the subject accident)
For example: # (touch up the note or chord La semitone above)

La (5th house 6th. Rope), La # (6a. 6th house. Rope).

Flat (b)

• Flat means the opposite of sharp. Touch up the note or chord a half step down from the original.
For example: Ab (plays up the half step down from her original).

La (5th house 6th. Rope), Lab (4th to 6th house. Rope).


HUE

The notes have a difference of sound, the difference is marked by the tone, then we will see the difference between the notes as to its sound.
(La) (Si) (C) (D) (E) (Fa) (sun) (La)
ABCDEFG
1 ½ tom tom one tom tom one 1 ½ tom tom tom one


Note: The notes end with i (mi, si) are the ones with half step to the next. All others have a pitch to the next. This is vital knowledge for the study of guitar or acoustic guitar.


Ab AA # Bb BB # CC # Cb Db DD # Eb Fb EE # FF # Gb GG #
Tom tom ½ ½ ½ ½ tom tom tom ½ ½ ½ tom tom tom ½ ½ ½ tom tom tom ½ ½ ½ tom tom tom ½ ½ ½ tom tom
[TOM 1] [½ TOM] [TOM 1] [1 TOM] [TOM ½] [1 TOM]


TOM: difference of two houses of the instrument.
SEMI-TONE: difference of only one house from one note to another arm of the instrument.

The notes played successively in this way form the scale that we call
Chroma. (The notes are played SEQUENCE: AA # BCC # DD # EFF # GG #).

The notes have two names: A #, Bb are called enharmonic notes.
The notes have only one name: A, B, C, D, E, F, G, are called harmonic notes.


Chromatic scale

Scale that uses the notes in sequence: AA # BCC # ...

|------------------------------------------------- ----- 1-2-3-4 --------|
|-------------------------------------------- 2-3-4 -5 ------------------|
|---------------------------------- 2-3-4-5 -------- --------------------|
|------------------------ 3-4-5-6 ------------------ --------------------|
|-------------- 4-5-6-7 ---------------------------- --------------------|
| --- 5-6-7-8 --------------------------------------- --------------------|

TABLATURE IN TOUCH TO THE NOTES THAT SHOWN FROM LEFT TO RIGHT IN SEQUENCE.

ROPES ARE INDICATED AS LOW UP, THIS IS: 1A., 2A., 3A., 4A., 5A., 6A.

NO STRINGS INSTRUMENT ARM

1A. E (MI)
2A. B (SI)) MATERIALS - ROPES ACUTE
3A. G (SOL)

4A. D (RE)
5A. A (LA)) Fillers - BASS STRINGS
6A. E (MI)

It is important to memorize the chords in the arm for understanding all the issues.

Símbolos na tablatura - symbols in tablature

SÍMBOLOS NA TABLATURA

------------------------ HAMMER- ON: Consiste em se martelar a segunda nota indicada
------------------------ com o dedo, sem tocá- la com a palheta.
----5-------7-------------


------------------------- SLIDE : Consiste em palhetar a primeira nota, em seguida escorregar
------7 /--9--------------- o dedo para a casa indicada na tablatura.
---------------------------- 2

-------------------- Bend: Consiste em palhetat a nota indicada, em seguida a levantar
-------------------------- na marca indicada para provocar efeito de vibrato ou elevação de
-------4-------------------- tonalidade.


----------H.A----------------- Harmônico Artificial: Consiste em tocar a nota indicada no
----------7----------------- segundo traste da casa para se obter um som metálico.
-------------------------------


--------------------------------- Trêmulo ou vibrato: Consiste em tremer a nota tocada,
------------T.R----------------- vibrando-a para cima e para baixo, com movimentos curtos.
------------5------------------- ( TAMBÉM PODE SER REPRESENTADA COM O DESENHO
DE UMA COBRA ).

SYMBOLS IN TABLATURE

------------------------ HAMMER-ON: It consists of pounding the second note indicated
------------------------ With your finger, without touching it with a pick.
---- 5 ------- 7 -------------


------------------------- SLIDE: It consists of picking the first note then slip
------ 7 / - 9 --------------- the finger at the house indicated on the tablature.
---------------------------- 2

-------------------- Bend: Consists of palhetat note indicated, then lift
-------------------------- Indicated on the mark for vibrato effect or cause elevation of
------- 4 -------------------- tone.


---------- ----------------- AH Artificial Harmonic: Consists of playing the note indicated in
---------- 7 ----------------- second fret of the house to get a metallic sound.
-------------------------------


--------------------------------- Trembling vibrato or: consists of shaking the notes played,
TR ------------ ----------------- vibrating it up and down, with short movements.
------------ 5 ------------------- (ALSO CAN BE REPRESENTED WITH THE DESIGN
Of a snake).

Leitura de tablatura - Reading tablature

TABLATURA



• meio mais usual para a leitura de uma música é a tablatura. Através dela podemos ver intervalos ou acordes de uma música e a técnica utilizada para cada trecho. São seis linhas, cada uma representando uma corda do braço do instrumento; os números colocados em cima das linhas representam as casas a serem tocadas. Ver exemplo:

 ---2 3 5----------------------- 1º corda
 --------------------------------- 2º corda
 --------------------------------- 3º corda
 ----------------0------------------- 4º corda OBS: O Zero indica tocar corda solta.
 ----------------------------------- 5º corda
 ---------------------------------- 6º corda

Esta tablatura indica para se tocar à segunda, terceira e quinta casas da primeira corda. Sempre se deve ler da esquerda para à direita.

--------------3----------------------
--------------3----------------------
--------------0---------------------- Quando os números estão agrupados um
--------------0---------------------- em cima do outro deve-se tocá-los ao
--------------2---------------------- mesmo tempo, isto é, representa um
--------------3----------------------- acorde ou intervalo, aqui, sol ( G ).

Para identificarmos as técnicas usadas em determinado trecho musical é necessário o entendimento quanto à leitura de alguns símbolos utilizados na tablatura, veremos a seguir.

TABLATURE



• most popular way to read music is a tablature. Through it we can see intervals or chords of a song and the technique used for each site. There are six lines, each representing a string instrument's neck, and the numbers placed on the lines represent the houses to be played. See example:

 ----------------------- --- 2 3 5 1 rope
 --------------------------------- 2nd string
 --------------------------------- 3rd string
 ---------------- 0 ------------------- 4 string Note: The Zero indicates playing string.
 ----------------------------------- 5 string
 ---------------------------------- 6 string

This indicates tablature for playing the second, third and fifth houses of the first string. Always read from left to right.

-------------- 3 ----------------------
-------------- 3 ----------------------
0 -------------- ---------------------- When the numbers are grouped into one
-------------- 0 ---------------------- upon the other one should touch them to
-------------- 2 ---------------------- same time, ie, represents a
-------------- 3 ----------------------- chord or interval, here, the sun (G).

To identify the techniques used in a particular piece of music is necessary to understand how the reading of some symbols used in tablature, we shall see.

Vídeo, Wave - Versão Vallim:

Aqui está uma versão que fiz para Wave ( Tom Jobim). Depois posto a tablatura , é um bom som para técnica de dedilhado ou para quem curte Bossa Nova.

Here's a version I made for Wave (Tom Jobim). Then post the tablature, is a good sound for fingerstyle technique or for those who enjoy Bossa Nova.

Guitar Idol 2010 - Vallim

http://www.guitaridol.tv/video/190

Acesse o linck, vídeo que estou competindo no guitar idol 2010

Guitar Idol 2010 - Vallim
http://www.guitaridol.tv/video/190

Access Linck, video that I'm competing in the guitar idol 2010

Cuidados com sua Guitarra:

Aqui vão algumas dicas de como tu podes manter sempre o teu instrumento em cima:


Cordas:

As cordas são de aço, geralmente com banho de níquel ou cromo, dependendo do modelo. Nossa mão transpira e o suor é o principal causador da oxidação (ferrugem) nas cordas, logo, procure sempre depois de tocar, fazer a limpeza de suas cordas com um pano seco, flanela siliconada ou de preferência com um óleo protetor próprio para cordas. Isso fará com que elas durem até 3 vezes mais do que o normal! Na hora de trocá-las, faça isso trocando uma a uma e de preferência use sempre a mesma tensão que a anterior.


Corpo: Evite pancadas e uma limpeza com flanela seca ou polidor próprio dará um visual muito mais bonito a sua guitarra. No pino das correias, caso você seja um guitarrista que gosta de pular no palco, etc, aconselho o uso de um strap lock, para travar a correia, evitando quedas de seu instrumento.

Ponte:

Devido a variedade de pontes, vou dividir este item nos modelos mais comuns abaixo:

Ponte tremolo: normalmente encontradas nos modelos stratocaster com alavanca. Assim como nas cordas, devemos limpar estas peças de metal da mesma forma, para evitar oxidação. Os carrinhos podem ficar sem rosca e travados quando enferrugam, tornando assim impossível a regulagem. Use sempre que possível um antioxidante na ponte.



Ponte Tune-o-matic: Modelo clássico de ponte dos modelos Les Paul, requer menos trabalho, e uma limpeza mais simples, mas que deve ser feita.



Ponte Floyd: Este é o modelo de ponte mais amado por muitos guitarristas e mais odiado por outros, devido a sua complexidade. Por ser uma ponte flutuante, onde pode-se alavancar para ambos os lados, e tem microafinação, logo, deve-se tomar mais cuidados que as comuns, tanto na limpeza quanto na manutenção e troca de cordas, que devem ser feitas uma a uma, e na mesma tensão que a anterior.

Ponte fixa: Comum nas telecaster, deve-se tomar cuidado básico novamente fazendo a limpeza após o uso como na ponte tremolo, também tem carrinhos que oxidam, logo, limpem sempre que possível.


Braço: Esta é a parte da guitarra que necessita de maior cuidado. Evite apoiar a guitarra pelo braço em qualquer lugar para evitar empenos e quedas e sempre que possível guarde-a no case de madeira ou em um bag reforçado, ou em suporte próprio ou deitada com o braço para baixo. As trocas de cordas devem ser feitas uma a uma, pois senão poderá desregular o braço. Sempre que desejar trocar a tensão das cordas usadas (009 para 010, etc...), será preciso uma nova regulagem no tensor do braço e em muitos casos também na ponte. Se você sabe como fazer, muito bem, senão, aconselho a levar a um profissional luthier como em nossas filais.

Tarraxas: use sempre tarraxas de boa qualidade, pois a principal causa de guitarras que desafinam muito facilmente provém delas. No caso de ponte floyd, é indispensável o uso de um lock nut (pestana trava cordas). A limpeza deve ser feita como na ponte, mas em menos frequência.

Captadores: faça a mesma limpeza que a das cordas, para evitar ferrugem. A dica é usar um plástico adesivo como o contact para evitar o contato com o ar e suor nas partes metálicas dele, o plástico não atrapalha a captação que é magnética e não altera o timbre do captador. Em breve escreverei guias com dicas de captadores para usar.

Pelo ou menos uma vez a cada 3 meses, leve seu instrumento a um luthier para ajustes profissionais de tensor, ponte, oitavas, etc... Nada pior do que guitarras semitonando na região aguda, no meio daquele solo lindo não concorda? Uma guitarra desregulada além de ser ruim para tocar, só trará vícios de postura, dificuldade para tocar, tendinites e dor nas mãos, além de não fazer bem para o desenvolvimento de seus ouvidos.



Caring for your Guitar:
Here are some tips on how you can always keep your instrument above:


Strings:

The strings are steel, usually bathed in nickel or chrome, depending on model. Our hands perspire and sweat is the main cause of oxidation (rust) on the ropes, so always look after playing, do the cleaning of your strings with a dry cloth, flannel or silicone preferably with a protective oil suitable for strings. This will make them last up to three times more than normal! In time to replace them, do so by changing one by one and preferably always use the same voltage as before.


Body: Avoid bumps and cleaning with a dry cloth or polish will own a much more beautiful his guitar. At the height of the belts, if you're a guitarist who likes to jump on stage, etc., I advise the use of a strap lock to lock the belt, preventing falls from his instrument.

Bridge:

Because of the variety of bridges, I'll share this item in most models below:

Tremolo bridge: usually found in stratocaster models with leverage. As with strings, we must clean these metal parts in the same way, to avoid oxidation. The carts can be unthreaded and locked when enferrugam, making it impossible to adjustment. Use whenever possible an antioxidant on the bridge.



Bridge Tune-o-matic: Classical model of bridge of Les Paul models, requires less labor, and cleaning easier, but that should be made.



Bridge Floyd: This is the model of the bridge most beloved by many players and more hated by others due to its complexity. Being a floating bridge, where you can leverage for both sides, and has microafinação hence one should take more care than those common in both clean and in maintenance and replacement of strings, that should be done one by one and on the same voltage as before.

Fixed bridge: Common in telecaster, one must be careful again doing basic cleaning after use as the bridge tremolo, also has carts that oxidize, so clean where possible.


Arm: This is part of the guitar that needs more care. Avoid resting the arm on the guitar anywhere to prevent warping and falls whenever possible and store it in the case of wood or reinforced in a bag, or in support himself with his arm or lying down. The exchanges of strings should be done one by one, otherwise you may deregulate the arm. Whenever you want to change the tension of the strings used (009 to 010, etc. ...), you will need a new adjustment in the tensioner arm and in many cases also on the bridge. If you do it, fine, but I advise to take as a professional luthier in our affiliates.

Tuners: always use a good quality machine heads, because the main cause of tune guitars that comes from them very easily. In the case of bridge floyd is necessary to use a lock nut (lock nut chords). Cleaning should be done as the bridge, but less frequently.

Pickups: do the same cleaning the ropes, to prevent rust. The trick is to use a plastic adhesive contact as to avoid contact with air and sweat on his metal parts, plastic does not break the abstraction that is magnetic and does not change the tone of the pickup. Soon I will write guides with tips from pickups to use.

Or at least once every three months, take your instrument to a luthier for adjustments professionals truss rod, bridge, octaves, etc ... Nothing is worse than sharp guitars semitones in the region, in the middle of that beautiful land can not agree? A guitar unregulated besides being bad for playing, will only bring defects in posture, difficulty playing, tendinitis and pain in hands, and did not do well

Voltando

O Blog estava parado,mas agora volto a escrever , é isso aí...

História da Guitarra

O mais popular e versátil instrumento do mundo se originou a partir de um instrumento musical espanhol. A vihuela, como este instrumento era denominado, se originou por meio de dois outros instrumentos mais antigos ainda: o “ud”, com cinco cordas, muito popular no Oriente Médio; e a “cozba”, um instrumento musical romano. O violão ou guitarra clássica, surgiu na Itália, em 1970, e a guitarra elétrica foi uma modificação do próprio violão.As guitarras elétricas surgiram em 1930. As mesmas geravam um som muito suave e baixo, bem diferente do que conhecemos atualmente. Para ampliar a potência sonora do instrumento, resolveram colocar captadores, que funcionavam como microfones. Isso gerou um pequeno problema, pois os mesmos faziam os bojos das guitarras vibrarem, provocando a famosa alteração sonora chamada “feedback”. Para solucionar esse problema, o famoso Les Paul inventou o corpo maciço da guitarra, o que deixou o instrumento na forma como conhecemos hoje em dia.A empresa Rickenbacker começou a fabricar as primeiras guitarras em 1931. O primeiro modelo de guitarra elétrica a ser comercializado foi a “Electro Spanish”.

Contudo, o principal responsável pela produção em massa e popularização do instrumento foi Leo Fender, criador da mais tradicional fabricante de guitarras que leva seu sobrenome. A Fender também desenvolveu a mais lendária das guitarra, na opinião de muitos: Fender Stratocaster.A guitarra se popularizou após a Segunda Guerra Mundial, nos anos 50 e 60, período em que ganhou enorme espaço no mundo da música. Hoje em dia, estima-se que existam cerca de 50 milhões de guitarristas em todo o mundo.

History of the Guitar


The most popular and versatile instrument in the world originated from a Spanish musical instrument. The vihuela, as this instrument was called, was originated by two other, more ancient still, the 'ud, "with five strings, popular in the Middle East, and the" Cozbi ", a musical instrument Roman. The guitar or classical guitar, originated in Italy in 1970, and the electric guitar was a modification of violão.As own electric guitars emerged in 1930. They generated a sound too soft and low, very different from what we know today. To expand the sonic power of the instrument, they decided to put pickups, which function as microphones. This created a slight problem, as they did the bulges of the guitars vibrate, causing the famous change sound called feedback. To solve this problem, the famous Les Paul invented the solid body guitar, which left the instrument in the way we know it today in Day Rickenbacker company began manufacturing the first guitars in 1931. The first model of electric guitar to be marketed was the "Electro Spanish".


However, the main responsibility for mass production and popularization of the instrument was Leo Fender, creator of the most traditional guitar manufacturer that bears his surname. Fender also developed the most legendary guitars, in the opinion of many: Stratocaster.A Fender guitar became popular after the Second World War in the 50s and 60s, during which he won huge space in the music world. Today, it is estimated that there are about 50 millions of players worldwide.

História do Rock

Origens do rock
Este gênero musical de grande sucesso surgiu nos Estados Unidos nos anos 50 (década de 1950).. Inovador e diferente de tudo que já tinha ocorrido na música, o rock unia um ritmo rápido com pitadas de música negra do sul dos EUA e o country. Uma das características mais importantes do rock era o acompanhamento de guitarra elétrica, bateria e baixo. Com letras simples e um ritmo dançante, caiu rapidamente no gosto popular. Apareceu pela primeira vez num programa de rádio no estado de Ohio (EUA), no ano de 1951.
A rock na década de 1950 : primeiros passos
É a fase inicial deste estilo, ganhando a simpatia dos jovens que se identificavam com o estilo rebelde dos cantores e bandas. Surge nos EUA e espalha-se pelo mundo em pouco tempo. No ano de 1954, Bill Haley lança o grande sucesso Shake, Rattle and Roll. No ano seguinte, surge no cenário musical o rei do rock Elvis Presley. Unindo diversos ritmos como a country music e o rhythm & blues. O roqueiro de maior sucesso até então, Elvis Presley lançaria o disco, em 1956, Heartbreaker Hotel, atingindo vendas extraordinárias. Nesta década, outros roqueiros fizeram sucesso como, por exemplo, Chuck Berry e Little Richard.
O rock nos anos 60: rebeldia e transgressão
Esta fase marca a entrada no mundo do rock da banda de maior sucesso de todos os tempo : The Beatles. Os quatro jovens de Liverpool estouram nas paradas da Europa e Estados Unidos, em 1962, com a música Love me do. Os Beatles ganham o mundo e o sucesso aumentava a cada ano desta década.A década de 1960 ficou conhecida como Anos Rebeldes, graças aos grandes movimentos pacifistas e manifestações contra a Guerra do Vietnã. O rock ganha um caráter político de contestação nas letras de Bob Dylan. Outro grupo inglês começa a fazer grande sucesso : The Rolling Stones.No final da década, em 1969, o Festival de Woodstock torna-se o símbolo deste período. Sob o lema "paz e amor", meio milhão de jovens comparecem no concerto que contou com a presença de Jimi Hendrix e Janis Joplin.Bandas de rock que fizeram sucesso nesta época : The Mamas & The Papas, Animals, The Who, Jefferson Airplane, Pink Floyd, The Beatles, Rolling Stones, The Doors.
O rock nos anos 70 : disco music, pop rock e punk rock
Nesta época o rock ganha uma cara mais popular com a massificação da música e o surgimento do videoclipe. Surge também uma batida mais forte e pesada no cenário do rock. É a vez do heavy metal de bandas como Led Zeppelin, Black Sabbath e Deep Purple. Por outro lado, surge uma batida dançante que toma conta das pistas de dança do mundo todo. A dance music desponta com os sucessos de Frank Zappa, Creedence Clearwater, Capitain Beefheart, Neil Young, Elton John, Brian Ferry e David Bowie.Bandas de rock com shows grandiosos aparecem nesta época : Pink Floyd Genesis, Queen e Yes.
Anos 80 : um pouco de tudo no rock
A década de 1980 foi marcada pela convivência de vários estilos de rock. O new wave faz sucesso no ritmo dançante das seguintes bandas: Talking Heads, The Clash, The Smith, The Police.Surge em Nova York uma emissora de TV dedicada à música e que impulsiona ainda mais o rock. Esta emissora é a MTV, dedicada a mostrar videoclipes de bandas e cantores.Começa a fazer sucesso a banda de rock irlandesa chamada U2 com letras de protesto e com forte caráter político. Seguindo um estilo pop e dançante, aparecem Michael Jackson e Madonna.
Anos 90: década de fusões e experimentações
Esta década foi marcada por fusões de ritmos diferentes e do sucesso, em nível mundial, do rap e do reggae. Bandas como Red Hot Chili Peppers e Faith no More fundem o heavy metal e o funk, ganhando o gosto dos roqueiros e fazendo grande sucesso.Surge o movimento grunge em Seattle, na California. O grupo Nirvana, liderado por Kurt Cobain, é o maior representante deste novo estilo. R.E.M., Soundgarden, Pearl Jam e Alice In Chains também fazem sucesso no cenário grunge deste período.O rock britânico ganha novas bandas como, por exemplo, Oasis, Green Day e Supergrass.
O Rock no Brasil
O primeiro sucesso no cenário do rock brasileiro apareceu na voz de uma cantora. Celly Campello estourou nas rádios com os sucessos Banho de Lua e Estúpido Cupido, no começo da década de 1960. Em meados desta década, surge a Jovem Guarda com cantores como, por exemplo, Roberto Carlos, Erasmo Carlos e Wanderléa. Com letras românticas e ritmo acelerado, começa fazer sucesso entre os jovens.Na década de 1970, surge Raul Seixas e o grupo Secos e Molhados. Na década seguinte, com temas mais urbanos e falando da vida cotidiana, surgem bandas como: Ultraje a Rigor, Legião Urbana, Titãs, Barão Vermelho, Kid Abelha, Engenheiros do Hawaii, Blitz e Os Paralamas do Sucesso.Na década de 1990, fazem sucesso no cenário do rock nacional : Raimundos, Charlie Brown Jr., Jota Quest, Pato Fu, Skank entre outros.
Você sabia?
- Comemora-se em 13 de julho o Dia Mundial do Rock.

History of Rock


Origins of rock
This blockbuster musical genre emerged in the United States in the 50s (1950) .. Innovative and unlike anything that had happened in music, rock united a rapid pace with bits of black music from the U.S. South and the country. One of the most important characteristics of the rock was the accompaniment of electric guitar, drums and bass. With simple lyrics and a danceable rhythm, quickly fell in popular taste. First appeared on a radio program in the state of Ohio (USA) in 1951.
The rock in the 1950s: first steps
It is the initial phase of this style, winning the sympathy of young people who identified with the rebellious style of the singers and bands. Surge in U.S. and spreads across the world in no time. In 1954, Bill Haley launches hit Shake, Rattle and Roll. The following year, appears in the music scene the king of rock Elvis Presley. Uniting diverse rhythms like country music and rhythm & blues. The rocker's most successful so far, Elvis Presley would throw the disc in 1956, Heartbreaker Hotel, reaching extraordinary sales. In this decade, other rockers were successful, for example, Chuck Berry and Little Richard.
The rock in the '60s: rebellion and transgression
This phase marks the entrance into the world of rock's most successful band of all time: The Beatles. The four young men from Liverpool pop charts in Europe and the United States in 1962 with the song Love Me Do. The Beatles win the world and successfully increased each year of this década.A the 1960s became known as Rebel Years, thanks to the great peace movements and demonstrations against the Vietnam War. Rock wins a political challenge to the lyrics of Bob Dylan. Another British group begins to make great success: The Rolling Stones.No end of the decade, in 1969, the Woodstock festival becomes the symbol of this period. Under the slogan "peace and love," half a million young people attend the concert that was attended by Jimi Hendrix and Janis Joplin.Bandas rock that were successful this time: The Mamas & The Papas, Animals, The Who, Jefferson Airplane , Pink Floyd, The Beatles, Rolling Stones, The Doors.
The rock in the '70s: disco, pop rock and punk rock
By this time gets a rock most popular guy with the massification of music and the emergence of the video. It also appears a beat stronger and heavier on the rock scene. It is time for the heavy metal bands such as Led Zeppelin, Black Sabbath and Deep Purple. Moreover, there is a dance beat that takes care of the dance floors around the world. Dance music unfolds with the successes of Frank Zappa, Creedence Clearwater, Captain Beefheart, Neil Young, Elton John, Brian Ferry and David Bowie.Bandas rock with big show appear in this season: Genesis Pink Floyd, Queen and Yes
80 years: a bit of everything in the rock
The 1980s were marked by the coexistence of various rock styles. The new wave is successful in dancing rhythm of the following bands: Talking Heads, The Clash, The Smith, The New York Police.Surge a TV station dedicated to music and it drives even more rock. This station is MTV, dedicated to showcasing music videos for bands and cantores.Começa to make success the Irish rock band U2 named with letters of protest and strong political character. Following a style pop and dance, come Michael Jackson and Madonna.
90s: the decade of mergers and trials
This decade was marked by mergers of different rates and success in the world of rap and reggae. Bands like Red Hot Chili Peppers and Faith No More merge heavy metal and funk, a taste of winning and doing great rockers sucesso.Surge the grunge movement in Seattle, California. The group Nirvana, led by Kurt Cobain, is the largest representative of this new style. REM, Soundgarden, Pearl Jam and Alice in Chains also are successful in this scenario grunge período.O gains new British rock bands such as Oasis, Green Day and Supergrass.
The Rock Brazil
The first success in the Brazilian rock scene appeared in the voice of a singer. Celly Campello exploded at radio with the hits Moon Bath and Stupid Cupid, in the early 1960s. Earlier this decade, there is the Young Guard with singers such as Roberto Carlos, Erasmo Carlos and Wanderléa. With romantic lyrics and pace starts to hit with jovens.Na 1970s, and the group appears Raul Seixas Dry and Wet. In the following decade, with more urban themes and talking of everyday life, there are bands like: Ultraje, Legião Urbana, Titãs, Barao Vermelho, Kid Abelha, Engenheiros do Hawaii, Blitz and Os Paralamas do Sucesso.Na 1990s, are success in setting the national rock: Raimundos, Charlie Brown Jr., Jota Quest, Pato Fu, Skank and others.
Did you know?
- Is celebrated on July 13 the World Day of Rock.

HIstória da Música

Quando ouvimos uma música executada por uma o termo música clássica é empregado em dois sentidos diferentes. As pessoas às vezes, usam a expressão ‘música clássica’ considerando toda a música dividida em duas grandes partes: ‘clássica’ e ‘popular’.
Para o estudioso ou musicólogo, entretanto, ‘Música Clássica’ tem sentido especial e preciso: é a música composta entre 1750 e 1810, que inclui a música de Haydn, Mozart, Beethoven e outros. As composições de outros autores, não podem ser consideradas clássicas. Ouvir Bach ou Vivaldi significa dizer que estamos ouvindo música barroca, se referirmos a Chopin, Verdi ou Wagner estaremos ouvindo música do período romântico. Se quisermos generalizar, pudemos dizer que gostamos de música Erudita. Estudemos um pouco mais...
Não falaremos da música dita popular com as suas várias definições, pois essas podem levar o sujeito a estados de muita alegria ou mesmo de grande depressão. Aquelas que falam do amor entre homem e mulher podem ilustrar o que estamos querendo dizer. Podem causar entusiasmo de alegrias ou levar o sujeito a cometer erros em nome desse amor; pode elevar o sentimento como, pode também rebaixá-lo a ponto de deixá-lo na sarjeta.
A música Erudita em todos os seus períodos tende a levar o sujeito ao equilíbrio, pois, uma onda sonora causa mudanças na pressão do ar na medida em que se move através dele. Desta forma, quando os temas musicais fluentes, diminuem a velocidade da pulsação do coração e da respiração, você mergulha em um mundo de harmonia que lhe transmite paz, tranquilidade e relaxamento.
Composições cheias de tranquilidade evocam as imagens que vão até as fronteiras de sua percepção, comovendo você profundamente. Por isso, quando você ouve um “canto Gregoriano” ou uma música mais tranquila (harmônica), você tende a se acalmar e a entrar num estado de relaxamento e reflexão. Por isso, muitas pessoas ao ouvirem música dessa natureza sentem sonolência devido ao relaxamento dos músculos provocado pelo ar rarefeito.
Há alguns anos atrás, vimos no programa Fantástico da TV Globo uma pesquisa feita por cientistas nos Estados Unidos, onde eles colocaram dentro de quartos separados, plantas com flores que tinham sido germinadas, crescidas e dado flores ao mesmo tempo. Em um ambiente, as plantas ouviam músicas barrocas e no outro, as plantas ouviam música do tipo rock metal. Após vinte e quanto horas e com o acompanhamento de quadros feitos pela câmera, pudemos observar, na medida em que o tempo passava que as que ouviam rock foram murchando e as outras ficaram mais viscosas como se estivessem mais alegres.
Divaguemos um pouco mais sobre a música erudita para melhor compreensão:
Entre os vestígios remanescentes das grandes civilizações da antiguidade, foram encontrados testemunhos escritos em registros pictóricos e escultóricos de instrumentos musicais e de danças acompanhadas por música. A cultura sumeriana, que floresceu na bacia mesopotâmica vários milênios antes da era cristã, incluía hinos e cantos salmodiados em seus ritos litúrgicos, cuja influência é perceptível nas sociedades babilônica, caldéia e judaica que se assentaram posteriormente nas áreas geográficas circundantes. O antigo Egito, cuja origem agrícola se evidenciava em solenes cerimônias religiosas que incorporavam o uso de harpas e diversas classes de flautas, alcançou também alto grau de expressividade musical.
Na Ásia onde a influência de filosofias e correntes religiosas como o budismo, o xintoísmo, o islamismo etc. foi determinante em todos os aspectos da cultura; os principais focos de propagação musical foram as civilizações chinesa, do terceiro milênio antes da era cristã e indiana.
O ocidente europeu possuía uma tradição pré-histórica própria. É bem conhecido o papel preponderante assumido pelos druidas, sacerdotes, bardos e poetas, na organização das sociedades celtas pré-romanas.
A tradição musical da Anatólia, porém, penetrou na Europa através da cultura grega, cuja elaborada teoria musical constituiu o ponto de partida da identidade da música ocidental, bastante diversa da do Extremo Oriente.
A música americana pré-colombiana possui acentuado parentesco com a chinesa e a japonesa em suas formas e escalas, o que se explica pelas migrações de tribos asiáticas e esquimós através do estreito de Bering, em tempos remotos. Finalmente, a cultura musical africana não árabe peculiariza-se por complexos padrões rítmicos, embora não apresente desenvolvimento equivalente na melodia e na harmonia.
Ao redor de 500 anos D.C. a civilização ocidental começou a emergir do período conhecido como A Idade Escura. Durante os próximos 10 séculos, a Igreja católica recentemente emergida dominaria a Europa, enquanto administrando justiça, instigando "as Cruzadas Santas" contra o leste, estabelecendo Universidades, e geralmente ditando o destino da música, arte e literatura.
Dessa forma classificou a música conhecida como canto gregoriano que era a música aprovada pela Igreja. Muito posterior, a Universidade de Notre em Paris viu a criação de um tipo novo de música chamada organum. Foi cantada a música secular por toda parte na Europa pelos trovadores e trouvères de França. E foi durante a Idade Media que a cultura ocidental viu a chegada do primeiro grande nome em música, o de Guillaume Machaut.
Diante do exposto, podemos dividir a história da música em períodos distintos, cada qual identificado por um estilo. É claro que um estilo musical não se faz da noite para o dia. É um processo lento e gradual, sempre com os estilos sobrepondo-se uns aos outros. Mas, para efeito de classificação, costuma-se dividir a História da Música do Ocidente em seis grandes períodos:
Música Medieval
Durante muito tempo, a música foi cultivada por transmissão oral, até que se inventou um sistema de escrita. Por volta do século IX apareceu, pela primeira vez, a pauta musical. O monge italiano Guido d’Arezzo (995 - 1050) sugeriu o uso de uma pauta de quatro linhas. O sistema é usado até hoje no canto gregoriano.
A utilização do sistema silábico de dar nome às notas deve-se também ao monge Guido d'Arezzo e encontra-se numa melodia profana, hino que os meninos cantores entoavam ao padroeiro dos músicos São João Batista, para que os protegesse da rouquidão, cada linha da qual começava com uma nota mais aguda que a anterior. Associou à melodia a um texto sagrado em Latim, cuja primeira sílaba de cada linha podia dar o nome de cada nota da escala musical.
Ut queant laxit Ressonare fibris Mira gestorum Famuli tuorum Solvi polluti Labii reatum Sancte Ioannes
Cuja tradução é: Para que nós, servos, com nitidez e língua desimpedida, o milagre e a força dos teus feitos elogiemos, tira-nos a grave culpa da língua manchada São João.
Durante o século XIX, o sistema de Guido foi adaptado para transformar-se no sol - fá tônico dos nossos dias, e usado para ensinar não músico a cantar música coral. Foi nessa época que alguns tons foram reformulados de modo a facilitar o canto. Ut tornou-se DÓ e SA tornou-se SI (iniciais de Sancte Ioannes)
O tipo de música mais antigo que conhecemos consiste em uma única linha melódica cantada, sem qualquer acompanhamento. Este estilo é o chamado Cantochão ou Canto Gregoriano. Com o passar do tempo acrescentou-se outras vozes ao cantochão, criando-se as primeiras composições em estilo coral.
Além do Cantochão, cantado nas igrejas, produziam-se na Idade Média muitas danças e canções. Durante os séculos XII e XIII houve intensa produção de obras em forma de canção, composta pelos trovadores, poetas e músicos do sul da França e Itália.
As danças eram muito populares em festas e feiras e podiam ser tocadas por dois instrumentos, com um grupo mais numeroso. Os instrumentos que acompanhavam estas danças incluíam: a viela (antepassado da família do violino), o alaúde, flautas doces de vários tamanhos, gaitas de foles, o trompete reto medieval, instrumentos de percussão ( triângulos, sinos, tambores).


Música Renascentista
O período da Renascença se caracterizou, na História da Europa Ocidental, sobretudo pelo enorme interesse ao saber e à cultura, particularmente a muitas ideias dos antigos gregos e romanos.
Foi também uma época de grandes descobertas e explorações, em que Vasco da Gama, Colombo, Cabral e outros exploradores estavam fazendo suas viagens, enquanto notáveis avanços se processavam na Ciência e Astronomia.
Os compositores passaram a ter um interesse muito mais vivo pela música profana ( música não religiosa), inclusive em escrever peças para instrumentos, já não usados somente para acompanhar vozes. No entanto, os maiores tesouros musicais renascentistas foram compostos para a igreja, num estilo descrito como polifonia coral ou policoral e cantados sem acompanhamento de instrumentos.
A música renascentista é de estilo polifônico, ou seja, possui várias melodias tocadas ou cantadas ao mesmo tempo.
Música vocal
Na Basílica de São Marcos, em Veneza, havia dois grandes órgãos e duas galerias para coro, situadas em ambos os lados do edifício. Isso deu aos compositores a ideia de compor peças para mais de um coro, chamadas policorais. Assim, uma voz vinda da esquerda é respondida pelo coro da direita e vice versa. Algumas das peças mais impressionantes são as de Giovani Gabrieli ( 1555 - 1612), que escreveu corais para dois e três grupos.
Os Motetos eram peças escritas para no mínimo quatro vozes, cantados geralmente nas igrejas. Os Madrigais eram canções populares escritas para várias vozes e que se caracterizam-se por não ter refrão. De grande sucesso nas Inglaterra do século XVI, passaram a ser cantados nos lares de todas as famílias apaixonadas por música.
Música instrumental
Até o começo do século XVI, os compositores usavam os instrumentos apenas para acompanhar o canto, contudo, durante o século XVI, os compositores passaram a ter cada vez mais interesse em escrever música somente para instrumentos.
Em muitos lares, além de flautas, alaúdes e violas, havia também um instrumento de teclado, que podia ser um pequeno órgão, virginal ou clavicórdio. A maioria dos compositores ingleses escreveu peças para o virginal. No Renascimento surgiram os primeiros álbuns de música, só para instrumentos de teclados.
Muitos instrumentos, como as charamelas, as flautas e alguns tipos de cornetos medievais e cromornes continuavam populares. Outros, como o alaúde, passaram por aperfeiçoamentos.
Música barroca
A palavra Barroco é provavelmente de origem portuguesa, significando pérola ou joia no formato irregular. De início era usada para designar o estilo de arquitetura e da arte do século XVII, caracterizado pelo excesso de ornamentos. Mais tarde, o termo passou a ser empregado pelos músicos para indicar o período da história da música que vai do aparecimento da ópera e do oratório até a morte de J. S. Bach.
A música barroca é geralmente exuberante: ritmos enérgicos, melodias com muitos ornamentos, contrastes de timbres instrumentais e sonoridades fortes com suaves.
Música vocal
Orfeu, do compositor Montiverdi (1567-1643) escrita no ano de 1607 é a primeira grande ópera. Ópera é uma peça teatral em que os papéis são cantados ao invés de falados. A ópera de Montiverdi possuía uma orquestra formada de 40 instrumentos variados, inclusive com violinos, que começavam a tomar lugar das violas.
Alessandro Scarlatti foi o mais popular compositor italiano de óperas. Na França os principais compositores de óperas foram Lully e Rameau .
Nascido na mesma época da ópera, o Oratório é outra importante forma de música vocal barroca. O oratório é um tipo de ópera com histórias extraídas da Bíblia. Com o passar do tempo os oratórios deixaram de ser representados e passaram a ser apenas cantados. Os mais famosos oratórios são os do compositor alemão Haendel (1685-1759), do início do século XVIII: Israel no Egito, Sansão e o famoso Messias e muitos outros.
As Cantatas são oratórios em miniaturas e eram apresentados nas missas.
Música instrumental
Durante o período barroco, a música instrumental passou a ter importância igual à da música vocal. A orquestra passou a tomar forma. No início a palavra ‘orquestra’ era usada para designar um conjunto formado ao acaso, com os instrumentos disponíveis no momento. Mas no século XVII, o aperfeiçoamento dos instrumentos de cordas, principalmente os violinos, fez com que a seção de cordas se tornasse uma unidade independente. Os violinos passaram a ser o centro da orquestra, ao qual os compositores acrescentavam outros instrumentos: flautas, fagotes, trompas, trompetes e tímpanos.
Um traço constante nas orquestras barrocas, porém, era a presença do cravo ou órgão como contínuo, fazendo o baixo e preenchendo a harmonia. Novas formas de composição foram criadas, como a fuga, a sonata, a suíte e o concerto.
Música clássica
Conforme dissemos outrora, algumas pessoas às vezes, usam a expressão ‘música clássica’ considerando toda a música dividida em duas grandes partes: ‘clássica’ e ‘popular’, entretanto, para o estudioso ou musicólogo, a ‘Música Clássica’ tem sentido especial e preciso: é a música composta entre 1751 e 1810.
Música instrumental
A Música Clássica mostra-se refinada e elegante e tende a ser mais leve, menos complicada que a Romântica e seguintes. Os compositores procuraram realçar a beleza e a graça das melodias. A Orquestra está em desenvolvimento. Os compositores deixaram de usar o cravo e acrescentaram mais instrumentos de sopro.
Durante o Período Clássico, a música instrumental passou a ter maior importância que a vocal. Nesta época criou-se a Sonata. É uma obra com vários movimentos para um ou mais instrumentos.
A Sinfonia é, na realidade, uma sonata para orquestra. Seu número de movimentos passam a ser quatro: rápido - lento - Minueto - muito rápido. ,Haydin, Mozart e Beethoven foram os maiores compositores de sinfonias do Classicismo.
O Concerto consiste em uma composição para um instrumento solista contra a massa orquestral. Tem três movimentos: rápido - lento - rápido.
Muitas obras foram escritas para o piano forte, em geral chamado piano para abreviar. Bartolomeu Cristfori, construtor de cravos italiano, por volta de 1700 já havia concluído a fabricação de pelo menos um destes instrumentos. Enquanto as cordas do cravo são tangidas por bicos de penas, o piano tem suas cordas percutidas por martelos, cuja dinâmica pode ser variada de acordo com a pressão dos dedos do executante. Isso daria ao piano grande poder de expressão e abriria uma série de possibilidades novas.
No começo o piano custou para se tornar popular porque os primeiros modelos eram muito precários. Mas, no final do século XVIII o cravo já havia caído em desuso, substituído pelo piano.
A serviço da alta nobreza, o músico não passava de um criado que, depois de fornecer música para fundo de jantares e conversas, ia jantar na cozinha com os demais empregados da casa. Para agradar seus patrões, precisava seguir as tradições musicais. Em sua obra respeitava e refletia as emoções da corte. A imaginação criadora não seria bem vinda se representasse a quebra das estruturas tradicionais. Haydn aceitou esse trato e cumpriu suas obrigações. Mozart não aceitou estes limites e pagou um preço alto pela obstinação em se manter fiel à seus princípios. As cortes o relegaram ao esquecimento e o deixaram morrer como um mendigo. Beethoven foi o primeiro a decidir que não devia obrigações a ninguém e exigiu ser respeitado como artista. Nascia, com Beethoven, o pensamento romântico.

Música romântica
Os compositores clássicos tinham por objetivo atingir o equilíbrio entre a estrutura formal e a expressividade. Os românticos vieram desequilibrar tudo. Eles buscavam maior liberdade de forma, a expressão mais intensa e vigorosa das emoções, frequentemente revelando seus pensamentos mais profundos, inclusive suas dores. Muitos compositores românticos eram ávidos leitores e tinham grande interesse pelas outras artes, relacionando-se estreitamente com escritores e pintores. Não raro uma composição romântica tinha como fonte de inspiração um quadro visto ou um livro lido pelo compositor.
Dentre as muitas ideias que exerceram enorme fascínio sobre os compositores românticos temos: terras exóticas e o passado distante, os sonhos, a noite e o luar, os rios, os lagos e as florestas, as tristezas do amor, lendas e contos de fadas, mistério, a magia e o sobrenatural. As melodias tornam-se apaixonadas, semelhantes à canção. As harmonias tornam-se mais ricas, com maior emprego de dissonâncias.
Durante o Romantismo houve um rico florescimento da canção, principalmente do Lied ( ‘canção’ em alemão) para piano e canto. O primeiro grande compositor de Lieder ( plural de Lied ) foi Shubbert .
As óperas mais famosas hoje em dia são as românticas. Os grandes compositores de óperas do Romantismo foram os italianos Verdi e Rossini e na Alemanha, Wagner. No Brasil, destaca-se Antônio Carlos Gomes com suas óperas O Guarani, Fosca, O Escravo, etc.
A orquestra cresceu não só em tamanho, mas também em abrangência. A seção dos metais ganhou maior importância. Na seção das madeiras adicionou-se o flautim, o clarone, o corne inglês e o contrafagote. Os instrumentos de percussão ficaram mais variados.
O Concerto romântico usava grandes orquestras; e os compositores, agora sob o desafio da habilidade técnica dos virtuoses, tornavam a parte do solo cada vez mais difíceis.
Até a metade do século XIX, toda a música fora dominada pelas influências alemãs. Foi quando compositores de outros países, principalmente os russos, passaram a ter a necessidade de criar a sua música. Inspiravam-se nas músicas folclóricas e lendas de seus países. É o chamado Nacionalismo Musical.
No século XIX o piano passou por diversos melhoramentos. Quase todos os compositores românticos escreveram para o piano, mas os mais importantes foram: Schubert, Mendelssohn, Chopin, Schumann, Liszt e Brahms. Embora em meio às obras destes compositores se encontrem sonatas, a preferência era para peças curtas e de forma mais livre.
Havia uma grande variedade, entre elas as danças como as valsas, as polonaises e as mazurcas , peças breves como o romance, a canção sem palavras, o prelúdio, o noturno, a balada e o improviso.
Outro tipo de composição foi o Étude (Estudo), cujo objetivo era o aprimoramento técnico do instrumentista. Com efeito, durante esta época houve um grande avanço nesse sentido, favorecendo a figura do Virtuoso: músico de concerto, dotado de uma extraordinária técnica. Virtuosos como o violinista Paganini e o pianista Liszt eram admirados por plateias assombradas.

Música moderna
A história da música no século XX constitui uma série de tentativas e experiências que levaram a uma série de novas tendências, técnicas e, em certos casos, também a criação de novos sons, tudo contribuindo para que seja um dos períodos mais empolgantes da história da música.
Enquanto a música nos períodos anteriores podia ser identificada por um único e mesmo estilo, comum a todos os compositores da época, no século XX ela se mostra como uma mistura complexa de muitas tendências. A maioria das tendências compartilham uma coisa em comum: uma reação contra o estilo romântico do século XIX. Tal fato fez com que certos críticos descrevessem a música do século XX com "anti-romântica". Dentre as tendências e técnicas de composição mais importantes da música do século XX encontram-se:
Impressionismo
Nacionalismo do Séc. XX
Expressionismo
Música Concreta
Serialismo
Música Eletrônica
Influências do Jazz
Neoclassicismo
Música Aleatória
Atonalidade


No entanto, se investigarmos melhor estas composições, encontraremos uma série de características ou marcas de estilo que permitem definir uma peça como sendo do século XX. Por exemplo:
Melodias: São curtas e fragmentadas, angulosas, em lugar das longas sonoridades românticas. Em algumas peças, a melodia pode ser inexistente.
Ritmos: Vigorosos e dinâmicos, com amplo emprego dos sincopados; métricas inusitadas, como compassos de cinco e sete tempos; mudança de métrica de um compasso para outro, uso de vários ritmos diferentes ao mesmo tempo.
Timbres: A maior preocupação com os timbres leva a inclusão de sons estranhos, intrigantes e exóticos; fortes contrastes, às vezes até explosivos; uso mais enfático da seção de percussão; sons desconhecidos tirados de instrumentos conhecidos; sons inteiramente novos, provenientes de aparelhagens eletrônicas e fitas magnéticas.

Music History


When we hear a song performed by a classical music the term is used in two different directions. People sometimes use the term 'classical music' considering all of the music split into two parts: 'classical' and 'popular'.
For the scholar or musicologist, however, 'Classical' has special meaning and precise: it is the music composed between 1750 and 1810, which includes music by Haydn, Mozart, Beethoven and others. The compositions of other authors, can not be considered classic. Listen to Bach or Vivaldi to say that we are listening to baroque music, referring to Chopin, Verdi or Wagner will be hearing music from the Romantic period. If we want to generalize, we say that we like soft music. Let us study a little more ...
We will not speak of the so-called popular music with its various definitions, as these can cause the subject to states of joy or a great depression. Those who speak of love between man and woman can illustrate what we mean. Can cause joy or enthusiasm cause the subject to make mistakes in the name of love, can raise the feeling like, you can also demote it to the point of leaving it in the gutter.
The soft music in all periods tend to lead the subject to balance, therefore, a sound wave causes changes in air pressure as it moves through it. Thus, when the musical themes fluent, slow heartbeat and breathing, you dive into a world of harmony that gives you peace, tranquility and relaxation.
Compositions, full of tranquility evoke images that go to the boundaries of his perception, thrilled you deeply. So when you hear a Gregorian chant or a song quieter (Harmonic), you tend to calm down and enter a state of relaxation and reflection. So many people listen to music such feel drowsy due to relaxing the muscles caused by thin air.
A few years ago, we saw in the TV program Fantástico Globo research by scientists in the United States, where they put in separate rooms, plants with flowers that had been germinated, grown and given flowers at the same time. In an environment, plants and baroque music heard in the other plants hear rock music like metal. After about twenty hours and with the accompaniment of pictures made by the camera, we could see, as time went on they heard that the rock was fading and the other became more viscous as if they were happier.
Rambled a bit more about classical music for better understanding:
Among the remaining vestiges of the great civilizations of antiquity, were found written testimonies in pictorial and sculptural musical instruments and dances accompanied by music. The Sumerian culture, which flourished in the Mesopotamian basin several millennia before the Christian era, included hymns and songs chanted in their liturgical rites, whose influence is noticeable in societies Babylonian, Chaldean and Jewish who settled later in the surrounding geographic areas. Ancient Egypt, whose agricultural origin was evident in the solemn religious ceremonies incorporating the use of different types of harps and flutes, also reached a high degree of musical expressiveness.
In Asia where the influence of philosophy and religious currents as Buddhism, Shintoism, Islam etc.. was instrumental in all aspects of culture, the main foci of spreading Music civilizations were Chinese, the third millennium before the Christian and Indian.
The western Europe had a prehistoric tradition itself. It is well known the leading role assumed by the Druids, priests, bards and poets, the organization of pre-Roman Celtic societies.
The musical tradition of Anatolia, however, penetrated into Europe through the Greek culture, whose elaborate music theory was the starting point of the identity of Western music, quite different from the Far East.
The pre-Columbian American music has strong kinship with the Chinese and Japanese forms and scales, which is explained by migration of Asian and Eskimo tribes across the Bering Strait in ancient times. Finally, the African musical culture is not Arabic peculiarizes by complex rhythmic patterns, although not equivalent development in the melody and harmony.
Around AD 500 years Western civilization began to emerge from the period known as the Dark Ages. Over the next 10 centuries, the Catholic Church recently emerged to dominate Europe, administering justice, instigating the "Holy Crusades" against the east, establishing universities, and generally dictating the destiny of music, art and literature.
Thus ranked the music known as Gregorian chant music that was approved by the Church. Much later, the University of Notre in Paris saw the creation of a new type of music called organum. Secular music was sung everywhere in Europe by the troubadours and trouvères France. It was during the Middle Ages that Western culture has seen the arrival of the first big name in music, Guillaume de Machaut.
Given the above, we can divide the history of music at different times, each identified by a style. Of course, a musical style can not do that overnight. It is a slow and gradual process, always with the styles overlapping each other. But, for classification purposes, it is customary to divide the history of Western music in six major periods:
Medieval Music
For a long time, music was cultivated by oral transmission until they invented a writing system. By the ninth century appeared the first time, the musical score. The Italian monk Guido d'Arezzo (995 - 1050) suggested the use of a staff of four lines. The system is still used in Gregorian chant.
The use of the syllabic system of naming the notes should also be the monk Guido d'Arezzo and is in a secular melody, hymn singing boys sang the patron saint of musicians St. John the Baptist to protect them from hoarseness, each line which began with a note sharper than before. Linked to the melody of a sacred text in Latin, whose first syllable of each line could give the name of each note of the musical scale.
Ut Quéant laxit Ressonare fibers Mira gestorum Famula tuorum Solvi pollute Labio reatum Sancte Ioannes
Whose translation is: For us, servants, speaking clearly and unimpeded, and the miracle power of your praise made, takes us to a serious fault spotted tongue Saint John
During the nineteenth century, the Guido system was adapted to become the sun - makes tonic of the day, and used to teach non-musician to sing choral music. It was then that some colors have been reformulated so as to facilitate the corner. Ut became DOH and SA became SI (Sancte Ioannes initial)
The oldest type of music that we know consists of a single melodic line sung without accompaniment. This style is called Plainsong or Gregorian chant. Over time we added to other voices to chant, creating the first compositions in style choir.
In addition to Plainsong, sung in churches, produced in the Middle Ages many dances and songs. During the twelfth and thirteenth centuries there was intense production of works in a song, composed by the troubadours, poets and musicians of southern France and Italy.
The dances were very popular at parties and fairs could be played by two instruments, with a most numerous group. The instruments that accompany these dances included: the alley (ancestor of the violin family), the lute, sweet flutes of various sizes, bagpipes, trumpet straight medieval percussion instruments (triangles, bells, drums).


Renaissance music
The Renaissance period was marked in the history of Western Europe, especially by the huge interest to knowledge and culture, particularly the many ideas of the ancient Greeks and Romans.
It was also a time of great discoveries and explorations, in which Vasco da Gama, Columbus, Cabral and other explorers were making their journeys, while remarkable advances were processed in Science and Astronomy.
The composers have been given a more lively interest in the secular music (music is not religious), including parts for writing instruments, has not only used to accompany voices. However, the greatest treasures Renaissance music were composed for the church in a style described as polyphony choir or polychoral and sung without accompaniment of instruments.
The music is Renaissance polyphonic style, ie, it has several tunes played or sung simultaneously.
Vocal music
In the Basilica of San Marco in Venice, there were two bodies and two large galleries for choir, located on both sides of the building. This gave the composer the idea of composing pieces for more than a chorus, calls polychoral. Thus, a voice from the left is answered by the chorus from the right and vice versa. Some of the most impressive are those of Giovanni Gabrieli (1555 - 1612), who has written for two choirs and three groups.
The Motets were pieces written for at least four voices, usually sung in churches. The Madrigals were popular songs written for several voices and is characterized by not refrain. Great success in England of the sixteenth century, came to be sung in the homes of all families in love with music.
Instrumental Music
Until the early sixteenth century, composers were using only instruments to accompany the singing, however, during the sixteenth century, composers began to take increasing interest in writing music for instruments only.
In many homes, as well as flutes, lutes and viols, there was also a keyboard instrument that could be a small organ, clavichord or virginal. Most English composers wrote pieces for the virginal. In the Renaissance were the first music albums, only to keyboard instruments.
Many instruments, such as clarions, flutes and some types of mediaeval and turbinate cromornes still popular. Others, like the lute, have undergone improvements.
Baroque music
The word Baroque is probably of Portuguese origin, meaning pearl or jewel in irregular shape. Initially it was used to describe the style of architecture and art of the seventeenth century, characterized by excessive ornamentation. Later the term came to be used by musicians to indicate the period of music history that goes from the emergence of opera and oratorio to the death of J. S. Bach.
Baroque music is often exuberant: energetic rhythms, melodies with many ornaments, contrasting instrumental timbres and sounds with strong soft.
Vocal music
Orpheus, Montiverdi composer (1567-1643) written in 1607 is the first great opera. Opera is a play where the roles are sung rather than spoken. The opera Montiverdi had formed an orchestra of 40 different instruments, including violins, which began to take the place of guitars.
Alessandro Scarlatti was the most popular Italian composer of operas. In France the leading composers of opera were Lully and Rameau.
Born in the same season of opera, the Oratory is another important form of Baroque vocal music. The oratory is a type of opera with stories drawn from the Bible. Over time oratories are no longer represented and only began to be sung. The most famous shrines are those of the German composer Handel (1685-1759), the early eighteenth century: Israel in Egypt, Samson and the famous Messiah, and many others.
The cantatas are miniature shrines and were presented in the masses.
Instrumental Music
During the Baroque period, instrumental music began to have equal importance to vocal music. The orchestra began to take shape. At first the word 'orchestra' was used to designate a group formed at random, with the tools currently available. But in the seventeenth century, the improvement of stringed instruments, especially violins, led the string section became an independent unit. The violins have become the center of the orchestra, to which the composers they added other instruments: flutes, bassoons, horns, trumpets and tympani.
A constant feature in baroque orchestras, however, was the presence of the harpsichord or organ as continuous, making and filling the low harmony. New forms of composition were created, as the trail, the sonata, the suite and concerto.
Classical music
As mentioned previously, some people sometimes use the term 'classical music' considering all of the music split into two parts: 'classical' and 'popular', however, for the scholar or musicologist, the 'Classical' has special meaning and precise: it is music composed between 1751 and 1810.
Instrumental Music
Classical Music proves to be refined and elegant and tends to be lighter, less complicated than the Romantic and following. Composers sought to enhance the beauty and grace of the melodies. The Orchestra is under development. Composers no longer use the cloves and added more wind instruments.
During the Classic Period, instrumental music began to have greater importance than the vocal. At this time created the Sonata. It is a multi-movement work for one or more instruments.
The Symphony is, in fact, a sonata for orchestra. Its number of movements become four: fast - slow - minuet - fast. , Haydin, Mozart and Beethoven were the greatest composers of symphonies of Classicism.
The concert consists of a composition for solo instrument against an orchestral mass. It has three movements: fast - slow - fast.
Many works were written for the pianoforte, piano generally called for short. Bartholomew Cristfori, Italian manufacturer of nails, by 1700 had completed the manufacture of at least one of these instruments. While the strings of carnation have beaks of feathers, the piano has its strings struck with hammers, whose dynamics can be varied according to the pressure of the fingers of the performer. This would give the piano great power of expression and open a number of new possibilities.
In the beginning, the piano was not popular because the first models were very poor. But in the late eighteenth century, the harpsichord had fallen into disuse, replaced by the piano.
A service of the nobility, the musician was only a servant who, after providing background music for dinner and conversation, was dining in the kitchen with the other employees of the house. To please their masters, had to follow the musical traditions. In his work he respected and reflected the emotions of the court. The creative imagination would not be welcome if it represented the breakdown of traditional structures. Haydn accepted the deal and fulfill their obligations. Mozart did not accept these limits and paid a high price for obstinacy in remaining faithful to its principles. The courts have relegated to oblivion and left to die like a beggar. Beethoven was the first to decide that no obligations to anybody should be demanded and respected as an artist. Was born, with Beethoven, the romantic thought.

Romantic music
The classical composers were intended to achieve a balance between formal structure and expressiveness. The Romantics came to unbalance everything. They sought greater freedom of form, the more intense and forceful expression of emotions, often revealing their deepest thoughts, including his pains. Many romantic composers were avid readers and had great interest in other arts, relating closely with writers and painters. Often had a romantic composition as inspiration a picture seen or a book read by the composer.
Among the many ideas that have exercised great fascination about the romantic composers are: exotic lands and distant past, dreams, night and moonlight, rivers, lakes and forests, the sorrows of love, legends and fairy tales, mystery, the magic and the supernatural. The melodies become passionate about, like the song. The harmonies become richer, with greater use of dissonance.
During the Romantic period there was a rich flowering of song, especially of the Lied ('song' in German) to piano and singing. The first great composer of Lieder (plural of Lied) was Shubbert.
The most famous operas today are the romantic. The great composers of the Romantic operas were Rossini and Verdi and Italian in Germany, Wagner. In Brazil, there is Antonio Carlos Gomes with his opera O Guarani, Fosca, The Slave, etc..
The orchestra has grown not only in size but also in scope. The section of the metal has gained more importance. In the section of wood added to the piccolo, the Bass Clarinet, the English horn and contrabassoon. The percussion instruments became more varied.
The Romantic Concerto wore big bands, and songwriters, now under the challenge of technical skill of the virtuoso, made the soil part of the increasingly difficult.
Until the mid-nineteenth century, all the music had been dominated by German influences. That's when composers from other countries, especially the Russians now have the need to create your music. Drawing on folk songs and legends of their country. It's called Musical Nationalism.
In the nineteenth century the piano has undergone several upgrades. Almost all the Romantic composers wrote for the piano, but the most important were: Schubert, Mendelssohn, Chopin, Schumann, Liszt and Brahms. Although among the works of these composers are sonatas, the preference was for short pieces and more freely.
There was a variety, including dances such as waltzes, mazurkas and the polonaises, short pieces like the novel, song without words, the prelude, nocturne, ballad and improvise.
Another type of composition was the Étude (Study), whose goal was the technical improvement of the player. Indeed, during this time there was a major advance in this direction, favoring the figure of the Virtuoso: concert musician, gifted with an extraordinary technique. Virtuosos like Liszt pianist and violinist Paganini was admired by audiences haunted.

Modern Music
The history of music in the twentieth century is a series of trials and experiments that led to a series of new trends, techniques, and in some cases, the creation of new sounds, all contributing to it one of the most exciting periods in the history of music.
While the music in previous periods could be identified by a single style, common to all composers of the time in the twentieth century it appears as a complex mixture of many trends. Most trends share one thing in common: a reaction against the romantic style of the nineteenth century. This fact has led some critics to describe the music of the twentieth century with "anti-romantic." Among the trends and techniques of composition most important music of the twentieth century are:
Impressionism
Nationalism of the twentieth century
Expressionism
Concrete Music
Serialism
Electronic Music
Influences of Jazz
Neoclassicism
Random Music
Atonality


However, if better investigate these compositions, we find a number of characteristics or style tags that allow you to define one as part of the twentieth century. For example:
Melody: They are short and fragmented, angular, instead of long sounds romantic. In some parts, the melody may be nonexistent.
Rhythms: Strong and dynamic, with widespread use of syncopated; unusual metrics, such as bars of five and seven times, changing the metric of a bar to another, use of several different rhythms at the same time.
Voices: The biggest concern with the inclusion of sounds leads to strange sounds, intriguing, exotic, strong contrasts, sometimes explosive, more emphatic use of the percussion section; unfamiliar sounds taken from instruments known; entirely new sounds, from electronic equipments and magnetic tapes.

Estudo para palhetada - exercício - Petrucci.

Aproveitando a vinda do Dream Theater para o Brasil aqui vai um bom exercício de estudo do guitarrista da banda. Clique na imagem para ampliar e bom estudo.

Study for picking - Exercise - Petrucci.
Taking advantage of the coming of Dream Theater for Brazil here's a good exercise to study the band's guitarist. Click on image to enlarge and good study.

Alguns shows confirmados para o Brasil em 2010:

A-HA
Akon
Anberlin
Anti-Flag
B.B. King
Beyoncé
BrokeNCYDE
Cannibal Corpse
Coldplay
Dream Theater
Epica
Franz Ferdinand
Guns N´ Roses
Iced Earth
Lamb of God
Nofx
Paul McCartney
Social Distortion
The Cranberries
The Gossip
The Original Wailers
Vince Neil
ZZ Top

OBS.: Mais shows devem ser agendados,definitivamente nosso país está na agenda de shows das principais bandas.

Cuidados com sua Guitarra.

Aqui vão algumas dicas importantes sobre o cuidado com seu instrumento....breve vou colocar soluções caseiras que estão ao alcance de todos para uma melhor manutenção .

Uma guitarra para um músico é tudo, logo, deixo algumas dicas de como evitar problemas e prolongar a vida de seu instrumento. Para isso, dividi este guia nas partes da guitarra:
1) Cordas:As cordas são de aço, geralmente com banho de níquel ou cromo, dependendo do modelo. Nossa mão transpira e o suor é o principal causador da oxidação (ferrugem) nas cordas, logo, procure sempre depois de tocar, fazer a limpeza de suas cordas com um pano seco, flanela siliconada ou de preferência com um óleo protetor próprio para cordas. Isso fará com que elas durem até 3 vezes mais do que o normal! Na hora de trocá-las, faça isso trocando uma a uma e de preferência use sempre a mesma tensão que a anterior. (veja itens braço e ponte);
2) Corpo: Evite pancadas e uma limpeza com flanela seca ou polidor próprio dará um visual muito mais bonito a sua guitarra. No pino das correias, caso você seja um guitarrista que gosta de pular no palco, etc, aconselho o uso de um strap- lock, para travar a correia, evitando quedas de seu instrumento;
3)Ponte:Devido a variedade de pontes, vou dividir este item nos modelos mais comuns abaixo:
a)Ponte trêmolo: normalmente encontradas nos modelos stratocaster com alavanca. Assim como nas cordas, devemos limpar estas peças de metal da mesma forma, para evitar oxidação. Os carrinhos podem ficar sem rosca e travados quando enferrujam, tornando assim impossível a regulagem;
b) Ponte Tune-o-matic: Modelo clássico de ponte dos modelos Les Paul, requer menos trabalho, e uma limpeza mais simples, mas que deve ser feita;
c) Ponte Floyd: Este é o modelo de ponte mais amado por muitos guitarristas e mais odiado por outros, devido a sua complexidade. Por ser uma ponte flutuante, onde pode-se alavancar para ambos os lados, e tem microafinação, logo, deve-se tomar mais cuidados que as comuns, tanto na limpeza quanto na manutenção e troca de cordas;
d) Ponte fixa: Comum nas telecaster, deve-se tomar cuidado básico novamente fazendo a limpeza após o uso.
4) Braço: Esta é a parte da guitarra que necessita de maior cuidado. Evite apoiar a guitarra pelo braço em qualquer lugar para evitar empenos e quedas e sempre que possível guarde-a no case de madeira ou em um bag reforçado, ou em suporte próprio ou deitada com o braço para baixo. As trocas de cordas devem ser feitas uma a uma, pois senão poderá desregular o braço. Sempre que desejar trocar a tensão das cordas usadas (009 para 010, etc...), será preciso uma nova regulagem no tensor do braço e em muitos casos também na ponte. Se você sabe como fazer, muito bem, senão, aconselho a levar a um profissional luthier.
5) Tarraxas: use sempre tarraxas de boa qualidade, pois a principal causa de guitarras que desafinam muito facilmente provém delas. No caso de ponte floyd, é indispensável o uso de um lock nut (pestana trava cordas).
6) Captadores: faça a mesma limpeza que a das cordas, para evitar ferrugem. Em breve escreverei guias com dicas de captadores para usar.Pelo ou menos uma vez a cada 3 meses, leve seu instrumento a um luthier para ajustes profissionais de tensor, ponte, oitavas, etc... Nada pior do que guitarras semitonando na região aguda, no meio daquele solo que tu estás fazendo não concorda? Uma guitarra desregulada além de ser ruim para tocar, só trará vícios de postura, dificuldade para tocar e dor nas mãos, além de não fazer bem para o desenvolvimento de seus ouvidos.

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